Algunas personas afirman que los planos secuencia de algunas películas actuales son sólo una manera para que los directores y cinematógrafos llamen la atención, en lugar de permitir que la historia hable por sí misma.

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Esto puede ser cierto, y tal vez incluso nos encontremos alguna de ellas en las selecciones de esta lista, pero el plano secuencia (o la ilusión de uno) sigue siendo una técnica cinematográfica desestabilizadora que ayuda al espectador a sumergirse en el universo de la película, si se hace bien.

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Desde los inicios del cine, cuando los cortes no estaban ni siquiera en las opciones de un cineasta, encontrar una manera de escenificar una escena (o varias escenas) sin cortar ha sido una de las preocupaciones en las mentes de los artistas.

Los planos secuencia exigen mucho de los actores, a los que se les pide en cierto modo que actúen como en una obra teatral (y a menudo improvisando, como se observa en muchos de la lista); Pone presiones sobre el cinematógrafo, que tiene que encontrar una forma de hacerlo funcionar y darse cuenta de la visión de los directores de lo que se debe ver en la pantalla, Y representa un desafío para la producción, especialmente cuando la escena implica una gran cantidad de extras o equipo técnico que se mueve alrededor.

Estas películas han logrado todo eso, lo que es una hazaña técnica en sí misma. Algunos de ellos son piezas defectuosas de cine, otros son clásicos absolutos – pero todos ellos han empujado la técnica cinematográfica más allá, y merecen crédito por ello.

10. Nostalghia (Andrei Tarkovsky, 1983, 9m20s)

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Nostalghia es la historia de un poeta ruso que esta haciendo una gira por Italia con su guía y traductor como  única compañía. Con el tiempo conoce a un anciano desquiciado que encarceló a su propia familia durante siete años, alegando que los estaba protegiendo de las enfermedades del mundo.

La película es un drama existencial al más puro estilo Tarkovsky, encontramos a un poeta confuso acerca de sus sentimientos por su traductor, perdiendo su país y su esposa, y sintiendo un extraño parentesco con dicho viejo trastornado. Esta toma extendida de diez minutos sigue al protagonista mientras prueba una superstición local llevando una vela a través de una piscina mineral drenada, tratando de mantenerla encendida hasta que llegue al otro lado.

El triunfo de la escena está principalmente en su diseño de sonido: respiración pesada, goteo del agua y el chapoteo suave de pies cautelosos en aguas poco profundas. Tarkovsky nos hace sentir cada paso tentativo que su personaje toma, y ​​crear tensión, centrándose a veces en las manos temblorosas que llevan la vela y en la expresión tensa en la cara del actor Oleg Yankovskiy.

Es una concretización visual hermosa (y algo aterradora) de la forma en que el personaje ve la vida, este viaje complicado y peligroso en el que siempre estamos tratando de proteger lo que nos es querido de la mejor manera posible.

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9. Snake Eyes (Brian De Palma, 1998, 12m57s)

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Brian De Palma es ya conocido por sus planos secuencia, ininterrumpidos, su más largo e impresionante es probablemente el de Snake Eyes. Su historia es de 1998, trata sobre unos detectives que se encuentran en un importante combate de boxeo en un casino de Atlantic City.

Protagonizada por Nicolas Cage interpretando a un personaje extremadamente enérgico, Snake Eyes es una película dividida, pero todo el mundo estaba  impresionado por la forma en que De Palma usó un plano secuencia de seguimiento de 13 minutos para mostrarnos lo que está pasando en la pelea ante todo el caos que se desata.

Se ponen pistas sutiles sobre el asesinato y sigue con una inmersión inducida del espectador en el entorno del casino, el plano secuencia de seguimiento en realidad tiene cuatro o cinco cortes ocultos, pero se siente como una mini-maratón de todos modos.

Es curioso que pocas películas de detectives/asesinatos usaron un plano secuencia con el mismo efecto – ¿podría ser que los cineastas estaban preocupados de que no pudieran superar a De Palma?

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8. Hunger (Steve McQueen, 2008, 16m30s)

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16 minutos y 30 segundos en plano secuencia es una hazaña en cualquier película, pero Hunger se destaca en nuestra lista debido a la naturaleza íntima de su toma extendida – durante un cuarto de hora.

Bobby Sands (Michael Fassbender) y el padre Moran (Liam Cunningham) están sentados en una mesa, observada por la cámara de Steve McQueen  sin parpadear e inmóvil, hablando. Y eso es todo lo que pasa.

El brillo de la elección estilística de McQueen es que pone el foco en los actores, especialmente en el rendimiento sin precedentes de Fassbender, evocando un juego de mini-escenas en medio de una película cuyas imágenes y poderosas interpretaciones, hablan más que palabras.

Como republicano irlandés Bobby Sands, Fassbender ofrece lo que sigue siendo su mejor actuación, liderando una tripulación de presos en una prisión de Irlanda del Norte en una huelga de hambre que sacude la estructura de poder establecida.

Verlo incrédulo entretener a este sacerdote mientras él y sus hombres están muriéndose de hambre es una experiencia desgarradora.

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7. Gravity (Alfonso Cuarón, 2013, 17m)

Gravity Plano Secuencia

 

El plano secuencia que abre el filme sobre supervivencia espacial de Cuarón le valió a Emmanuel Lubezki su primera victoria en los premios de la Academia, y de hecho es una hazaña asombrosa.

Durante 17 minutos, seguimos a los astronautas Ryan Stone (Sandra Bullock) y Matt Kowalski (George Clooney) mientras hacen reparaciones en su nave, hasta que la tragedia llega  y quedan a la deriva en el espacio.

Una impresionante presentación de los personajes que se convierte en una secuencia de acción fascinante, la hazaña más impresionante en este plano secuencia es la forma en que se nos muestran los increíbles efectos especiales con los que contaba la película, transportándonos a ese ambiente espacial poco hospitalario y manteniendo a la vista la Tierra, segura y familiar.

Este es un ejemplo perfecto de cómo un plano secuencia, ininterrumpido puede servir a los propósitos de la historia, en lugar de ser sólo otro truco cinematográfico.

A medida que avanza la siguiente hora y media de película, esa impresionante proeza nunca deja realmente la memoria del espectador, y sirve como recordatorio de que el espacio está lleno de peligros e impredecibilidades. Y eso es necesario para que la sensación de suspenso y agonía de la película de Cuarón se transmita correctamente al espectador.

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6. Rope (Alfred Hitchcock, 1948, 1h20m)

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En 1948, hacer películas que parecían ser filmadas en una larga toma no era tan fácil ni tan común como lo es hoy en día. Así que no es ninguna sorpresa que Alfred Hitchcock fue el que intentó lograrlo en una gran película estadounidense – Rope (La soga) fue polémica por su contenido, mostrando a una pareja homosexual (su relación sólo se transmite implícitamente, por supuesto) asesinando a un colega para probar a su profesor favorito (James Stewart) que aprendieron sus lecciones.

Es oscura y retorcida incluso para los estándares de Hitchcock, pero su decisión de hacer la película en un plano secuencia provocó aún más conmoción en el set.

Como las cámaras analógicas sólo permiten 10 minutos, la película presenta una serie de momentos en los que se hace zoom en algún objeto negro, para hacer la transición suavemente.

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La obsesión de Hitchcock con el truco llevó a algunas anécdotas: para evitar la necesidad de volver a disparar, un camarógrafo cuyo pie se rompió cuando la dolly de la cámara rodó sobre él fue arrastrado fuera para que sus gritos no afectaran en la toma, para coger una copa una de las actrices cayó antes de que golpeara el suelo en otra toma.

La mayoría de las personas, incluido el propio Hitchcock, descartan a Rope como un logro menor en la rica filmografía del director, pero como una hazaña técnica sigue siendo impresionante, especialmente teniendo en cuenta la forma y el año en que se hizo.

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5. The Silent House (Gustavo Hernández, 2010, 1h26m)

 

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Afirmando ser la primera película de terror filmada en una sola toma, la original, la uruguaya The Silent House inspiró un remake protagonizado por Elizabeth Olsen en 2011, usando el mismo truco.

A pesar de que fue filmada con una Canon EOS 5D Mark II, que sólo puede grabar 15 minutos de metraje a la vez, la película original se basa en el ambiente oscuro del filme para ocultar los cortes y hacer parecer que estamos viendo  el tiempo real de Laura (Florencia Colucci), que se muda con su padre a una casa de campo en las afueras de un pequeño pueblo uruguayo con el fin de renovarlo para el propietario, que desea venderlo.

En su primera noche allí, Laura y su papá escuchan un sonido extraño, y mientras él sale a investigar, se queda sola.

Mostrada en Cannes y Sundance, la película de Gustavo Hernández fue igualmente elogiada y criticada por los críticos, pero sigue siendo una experiencia cinematográfica aterradora e interesante de ver, aunque sólo sea por el truco de la ilusión en tiempo real, siempre eficaz para sumergir al espectador en la historia.

Hecho con sólo seis mil dólares y en el transcurso de 4 días, la película es definitivamente un triunfo indie.

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4. Timecode (Mike Figgis, 2000, 1h37m)

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Timecode fue filmada quince veces antes de la versión teatral que tuvimos en 2000. El proyecto ambicioso de Mike Figgis divide la pantalla en cuatro tomas simultáneas, que también fueron filmadas al mismo tiempo, cada vez que la película fue refilmada, cada una de ellas es ininterrumpida, lo que significa que los actores interpretan las historias de sus personajes ininterrumpidamente, y la banda sonora nos indica dónde buscar para seguir mejor la historia general que une a los cuatro.

Salma Hayek interpreta a una joven actriz que tiene una aventura con un director desilusionado (Stellan Skarsgard), Su novia celosamente loca (Jeanne Tripplehorn) descubre el asunto, y escucha la conversación de la pareja a través de un micrófono plantado en la cartera del personaje de Hayek; Mientras tanto, la esposa del director (Saffron Burrows) discute la posibilidad de divorcio con un terapeuta.

Disfrutando de la libertad de tener tiempo y dinero para filmarlo dieciséis veces, Figgis dio a sus actores un guión muy sencillo, dándoles libertad para reaccionar a las cosas que sucedían e improvisar la mayor parte del diálogo.

Es una experiencia fascinante por decir lo menos, y una película que requiere múltiples visionados, dedicada principalmente a mantener un registro de la trama entrelazada en este nuevo formato extraño al que tenemos que acostumbrarnos.

3. Russian Ark (Aleksandr Sokurov, 2002, 1h39m)

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También rodada en tiempo real, Russian Ark fue la obra maestra de Aleksandr Sokurov, que sólo la consiguió en su cuarto intento de filmarla, y uno de los pequeños detalles desesperados es que sólo tenía un día para hacerlo, ya que su única localización, el museo ruso del ermitaño del estado, tuvo que ser cerrado para las visitas.

Como resultado, incluso las escenas más mundanas de los guiones de Sokurov se tradujeron a la pantalla como momentos de sosiego, las actuaciones y la cámara transmiten a la audiencia la urgencia.

La historia es de un aristócrata francés del siglo XIX, en cuyo viaje a través del Museo Hermitage se ve enfrentándose con una serie de figuras históricas del pasado de Rusia.

Un viaje onírico por sí mismo, el exuberante diseño de vestuario de la película, el complicado diálogo y las actuaciones, y el extenso retrato de la historia rusa se hacen mucho más asombrosas por la hazaña técnica.

Casi como un juego de teatro absurdamente complejo y perpetuamente en movimiento, el Arca rusa es una poderosa experiencia cinematográfica, incluso para aquellos que no están interesados ​​en el pasado de una de las naciones más grandes y poderosas del planeta.

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2. Birdman (Alejandro Gonzàlez Iñárritu, 2014, 1h59m)

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Una de las dos contribuciones del director de fotografía Emmanuel Lubezki en la lista, Birdman puso el guiño de “una sola toma” de nuevo en el centro de atención en 2014, mostrando las idas y venidas de un teatro donde Riggan (Michael Keaton), interpretando a un superhéroe, trata de elaborar los detalles de su nueva obra.

Tanto el director (Alejandro González Iñárritu) como el director de fotografía ganaron el Oscar por su trabajo, y Birdman eventualmente se llevó el premio a la Mejor Fotografía.

Con la excepción de algunos cortes en el principio y el final de la película, Birdman se edita para aparecer como un disparo ininterrumpido extendiéndose a casi 2 horas de película. La decisión funciona principalmente porque destaca la desesperación en la mente de Riggan.

En la impresionante cinematografía de Lubezki, Birdman se convierte en una película que parece impulsar su narrativa en una profunda respiración, y las motivaciones y complejidades de los personajes se vuelven mucho más claras para eso.

Es uno de los mejores ejemplos de los usos de esta técnica cinematográfica.

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1. Victoria (Sebastian Schipper, 2015, 2h18m)

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Victoria no sólo presenta la película con el plano secuencia más largo de la historia del cine, sino que fue filmada en tiempo real, con un guión que permitió a los actores improvisar la mayor parte del diálogo siguiendo una historia predeterminada.

El director de fotografía Sturla Brandth Grovlen hace un trabajo brillante al no llamar la atención sobre este truco, sino sumergir al espectador en la historia y en el viaje de los personajes y observar las brillantes actuaciones del reparto, especialmente las de Laia Costa.

La actriz española interpreta al personaje titular, una joven que recientemente se trasladó a Berlín y se encuentra en compañía de Sonne (Frederick Lau) y algunos de sus amigos después de una noche en el club – lo que sigue es un descenso al infierno que Exige la atención del espectador.

Es difícil no involucrarse con la historia y en la forma en que Grovlen y el director Sebastian Schipper lo hacen, porque se siente como una película de género de ritmo acelerado que cobra vida de una manera en que el cine no ha logrado antes de Victoria. Aunque todo es discutible.


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